SECUENCIA #1 - Programa
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'SECUENCIA #1' es un ciclo de actividades vinculado a la programación de la Fabra i Coats: Centre d’Art Contemporani de Barcelona, que este año ha girado en torno a lo (para)cinematográfico. A través de laboratorios, conferencias y performances de agentes de diversas disciplinas y geografías, 'SECUENCIA #1' propone un marco de trabajo para ahondar en el particular vínculo performativo que se establece entre los cuerpos y las imágenes.
Frente a posiciones alineadas con el régimen escópico dirigido a la producción y consumo de objetos-cuerpos-imágenes, 'SECUENCIA #1' recoge trabajos que afirman la potencia de las imágenes como actos o acontecimientos. El ciclo propone relacionarnos con la imagen como una práctica, ya que esta "nunca es una cosa, un objeto inerte, sino una praxis en la que dialogan, se miran y se encuentran imagen y sujeto, mediada por un soporte físico"*. El soporte o materia en 'SECUENCIA #1' son el cuerpo o los cuerpos desde los que emanan, y los que invocan, las imágenes y sus agencias.
El programa lo conforman propuestas cuya ligazón con la práctica de la imagen es abordada de diferentes modos, aunque en todos podemos intuir una invitación traslúcida y porosa que sugiere, abre, suspende y, sobre todo, imagina otros planos performativos para el acontecer fascinado de las imágenes, celebrando así que "del lado de la performatividad parece estar la fuerza, la fuga, lo vivo"**.
Se trata de una aproximación multifocal, un punto de partida para seguir pensando desde la práctica y de manera contextual como lo venimos haciendo muchxs artistas, pensadorxs y comisarixs. Dar vueltas sobre el eje, hiperventilar, forzar una melodía hasta estimular el nervio vago, la sugestión desde el relato, la equiparación. Hacer-pensar con el cuerpo y sus anexos como primera tecnología de registro y producción de imágenes. La palabra, el ruido, los sonidos, el espacio, el tacto o el movimiento provocan esa aparición de imágenes en otra temporalidad, la de su formación titubeante que se escapa a interpretación normativa. En ese marco de tensión queremos presentar los trabajos e investigaciones de Cris Celada, Ona Bros, Andrea Soto Calderón, Andrea González, Javi Álvarez, Lorea Alfaro, Olga Mesa, Alejandra Pombo Su, Carme Torrent y Emilio Tomé.
Las imágenes que anuncian 'SECUENCIA #1' son registros de una escena diseñada al detalle, donde los cuerpos ya no están pero aún queda su rumor. Se trata de una obra de Martín Vitaliti que lleva por título 'Para ser dos hay que ser diferentes' (2020), que nos remite, indudablemente, al encuentro imprescindible con el otro para la configuración de una comunidad sensible.
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* Pérez Royo, Victoria. «Poéticas del tiempo expandido en el cine. La mirada fascinada como producto de la imagen translúcida». A: Pascale Peyraga; Marion Gautreau; Carmen Peña-Ardid; Kepa Sojo Gil (ed.). La imagen translúcida en los mundos hispánicos. Lió: Orbis Tertius, 2016, pp. 597-614.
**Fernández Polanco, Aurora. «Usos performativos de las imágenes», Re-visiones [en línea], núm. 2 (2012).
PROGRAMA
Lunes 21 y martes 22
De 17 a 20 h. Cris Celada – Para la construcción de futuros… ¿mejores?. Laboratorio
Inscripciones hasta el 19 de noviembre.
Miércoles 23 y jueves 24
De 17 a 20 h. Ona Bros – Dolly (o de cuerpos, imágenes y políticas). Laboratorio
Inscripciones hasta el 19 de noviembre.
Viernes 25:
18 h. Andrea Soto Calderón– Suspender la imagen. Conferencia
19 h. Andrea González – Una película sin película. Performance
20.30 h. Javi Álvarez – Secuencia: causé cine, su cine cae. Performance
Acceso libre hasta completar el aforo
Sábado 26:
18 h. Lorea Alfaro – algo de placer. Conferencia
19 h. Olga Mesa – Prácticas de lo (no) visible: el cuerpo operador y la doble visión. Conferencia
20.30 h. Alejandra Pombo Su – No solo animal. Performance
21 h. Carme Torrent – Moverse sobre nada (100 fuegos horitzontales). Performance
Acceso libre hasta completar el aforo
Lunes 12 y martes 13 de diciembre, de 17 a 20 h / sábado 17 de diciembre, de 16 a 19 h
Emilio Tomé – Home Cinema. Laboratorio
Inscripciones hasta el 8 de diciembre
Actividades con inscripción previa en el correo activitats-centredart@bcn.cat para todas las actividades, excepto las de los días 25 y 26 de noviembre.
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Fernando Gandasegui es artista, investigador y comisario en artes performativas. Actualmente es el comisario del festival Domingo en La Casa Encendida, y codirige Teatron. Fue coordinador y formó parte del equipo de dirección artística de Teatro Pradillo en Madrid. Ha comisariado ciclos para el Festival Punto de Vista, ha codirigido La Plaza en Verano de Matadero y ha diseñado programas de residencias e investigación en el Centro Cultural de España en La Paz. Imparte clases y talleres en instituciones como Pedagogías Invisibles o Bar Yola. Su trabajo artístico se ha presentado en diversas instituciones nacionales e internacionales, y forma parte de la colección del CA2M y del Archivo de Creadores de Matadero.
Marc Vives Muñoz (Barcelona, 1978) es artista, investigador, docente y productor. Se mueve entre las artes visuales y las artes en vivo, avezado en la performance y el trabajo espacial. Utiliza estrategias de aprendizaje colectiva colaborando con otres artistes y formando grupos de investigación como Si CentroCentro fuera FueraFuera, lxsquecorrenporahí en Massana o Moure parets en EINA. También desde la gestión y el acompañamiento de procesos artísticos conduciendo el programa de residencias de L’Estruch (Sabadell), formando parte del equipo comisarial en La Capella o iniciando proyectos como YProductions, Hamaca, Por La Vena o, en la actualidad, GRAF.cat.
En el apartado artístico, ha expuesto su trabajo en Rogaland Kunstsenter (Stavanger, 2016), Redcat (Los Ángeles, 2016), etHALL (Barcelona, 2018) y MACBA (Barcelona, 2021), y ha realizado performances en CCEMx (Ciudad de México, 2020), Festival Grec (Barcelona, 2020) y La Casa Encendida (Madrid, 2021). Entre 2002 y 2012 formó parte del dúo artístico Bestué-Vives.
Las imágenes no definen su potencia por captar con precisión lo que hay, sino por introducir una capacidad diferencial, un anudamiento diferente, en los procesos de articulación de lo visible. Los marcos de referencia hegemónicos tienen múltiples mecanismos y técnicas para crear consistencias imaginarias, su influencia es poderosa en nuestro deseo y en la organización de nuestras formas de vida. Sin embargo, siempre hay residuos que no encajan, que no se adecuan, que incomodan, que exceden. Es ahí donde cada cuerpo cuenta y donde una imagen puede producir una alteración decisiva. No tanto en el retrato de lo que es, sino de lo que podría ser. La pregunta que no deja de resonar en la porosidad de las imágenes es cómo inscribir materialmente lo que no tiene lugar. Pregunta que exige no proyectar un significado previo, no anticipar la imagen, suspenderla, para que en su movimiento se engendre su posibilidad.
*Suspender la imagen se realizó expresamente para SECUENCIA #1.
Andrea Soto Calderón. Doctora en Filosofía y profesora de Estética y Teoría del Arte. Sus líneas de investigación se centran en las transformaciones de la experiencia estética en la cultura contemporánea, la crítica, el estudio de la imagen y los medios. Entre sus publicaciones recientes destacan sus libros ‘Le travail des images’, junto a Jacques Rancière (Les presses du réel, 2019), ‘La performatividad de las imágenes’ (Metales Pesados, 2020) e ‘Imaginación material ‘(Metales Pesados, 2022).
SECUENCIA es un ciclo de actividades vinculado a la programación de la Fabra i Coats: Centre d’Art Contemporani de Barcelona. SECUENCIA #1 propuso un marco de trabajo para ahondar en el particular vínculo performativo entre cuerpos e imágenes.
Les imatges no defineixen la seva potència per captar amb precisió el que hi ha, sinó per introduir una capacitat diferencial, una nuada diferent, en els processos d’articulació d’allò visible. Els marcs de referència hegemònics tenen múltiples mecanismes i tècniques per crear consistències imaginàries, la seva influència és poderosa en el nostre desig i en l’organització de les nostres formes de vida. Amb tot, sempre hi ha residus que no encaixen, que no s’adeqüen, que incomoden, que excedeixen. És aquí on cada cos compta i on una imatge pot produir una alteració decisiva. No tant en el retrat del que és, sinó del que podria ser. La pregunta que no deixa de ressonar en la porositat de les imatges és com inscriure materialment el que no té lloc. Pregunta que exigeix no projectar un significat previ, no anticipar la imatge, suspendre-la, perquè en el seu moviment s’engendri la seva possibilitat.
*Suspendre la imatge es realitzà expressament per SEQÜÈNCIA #1.
Andrea Soto Calderón. Doctora en Filosofia i professora d’Estètica i Teoria de l’Art. Les seves línies de recerca se centren en les transformacions de l’experiència estètica en la cultura contemporània, la crítica, l’estudi de la imatge i els mitjans. Entre les seves publicacions recents destaquen els seus llibres 'Le travail des images', amb Jacques Rancière (Les presses du réel, 2019), 'La performatividad de las imágenes' (Metales Pesados, 2020) i 'Imaginación material' (Metales Pesados, 2022).
SEQÜÈNCIA és un cicle d'activitats vinculat a la programació de Fabra i Coats: Centre d'Art Contemporani de Barcelona. SEQÜÈNCIA #1 va proposar un marc de treball per aprofundir en el particular vincle performatiu entre cossos i imatges.
Images do not define their potency by accurately capturing what is there, but by introducing a differential capacity, a different knotting, in the processes of articulation of the visible. Hegemonic frames of reference have multiple mechanisms and techniques to create imaginary consistencies, their influence is powerful in our desire and in the organization of our ways of life. However, there are always residues that do not fit, that do not fit, that discomfort, that exceed. That is where every body counts and where an image can produce a decisive alteration. Not so much in the portrait of what it is, but of what it could be. The question that never ceases to resonate in the porosity of the images is how to materially inscribe what has no place. A question that demands not to project a previous meaning, not to anticipate the image, to suspend it, so that in its movement its possibility is engendered.
*Suspending the image was made expressly for SEQUENCE #1.
Andrea Soto Calderón. PhD in Philosophy and professor of Aesthetics and Art Theory. Her lines of research focus on the transformations of the aesthetic experience in contemporary culture, criticism, the study of the image and the media. Her recent publications include her books 'Le travail des images', with Jacques Rancière (Les presses du réel, 2019), 'La performatividad de las imágenes' (Metales Pesados, 2020) and 'Imaginación material '(Metales Pesados, 2022).
SEQUENCE is a cycle of activities linked to the programming of the Fabra i Coats: Centre d'Art Contemporani de Barcelona. SEQUENCE #1 proposed a framework to delve into the particular performative link between bodies and images.
En el origen de mis obras se encuentra la mirada como lugar físico de percepción, captación y montaje, que sitúa al cuerpo en un paisaje de narraciones múltiples en donde poder desplazar, alterar y cuestionar su presencia. Hace tiempo escribí que «la mirada es lo que hace desaparecer el espacio vacío entre los cuerpos». En esta presentación de mi trabajo voy a nombrar y comunicar un principio de vocabulario perteneciente a numerosas prácticas (no) visibles inscritas en las dramaturgias de mis obras escénicas, audiovisuales y performativas. El cuerpo-operador y la doble visión se configuran dentro de los dispositivos que he ido articulando desde el cuerpo, siendo conceptos pilares de mi escritura coreográfica espacializada y cinematográfica. Busco configurar su presencia dentro de un campo de batalla y experimentaciones, alrededor de lugares (no) ficcionales de encuentros y memorias comunes. Proponer puntos de contacto y de fricciones entre lo que muestra y lo que esconde, entre lo que percibe y lo que piensa, entre lo real y lo imaginario.
* Prácticas de lo (no) visible: el cuerpo operador y la doble visión se realizó expresamente para SECUENCIA #1. Durante la conferencia performativa, Olga Mesa mostró algunos textos y sombras de imágenes que eran proyectadas sobre una pared al fondo, el proyector lo tapaba y lo destapaba a placer, escribió en tiza blanca sobre papel unos textos y los colocó en una de las paredes laterales. Así como se movía por el espacio, acercándose y mirando al público.
Olga Mesa. Coreógrafa y artista visual, es una de las figuras clave de la danza española contemporánea. Desde la década de 1990, su búsqueda de una escritura del cuerpo personal y renovada la ha llevado a afirmar la parte íntima en la representación, a través de una construcción que conjuga expresión y percepción. Sus piezas escénicas se desarrollan fundamentalmente en proyectos temáticos: la trilogía corporal ‘Res, non verba’ (1996-1999), el ciclo en cinco movimientos ‘Más público, más privado’ (2001-2006) y el proyecto ‘labOfilm’ (2010-2012).
Durante diez años ha trabajado con el artista fuera de formato Francisco Ruiz de Infante en la construcción del proyecto coreográfico, plástico y audiovisual ‘Carmen // Shakespeare’ (2012-2022). Juntos, dirigen la compañía Hors Champ // Fuera de Campo, creando contextos y prácticas para las artes interdisciplinares.
Con sede en Estrasburgo desde 2005, las creaciones escénicas de su compañía se han presentado en diversos festivales e instituciones artísticas de Francia, España, Portugal, Estados Unidos, Suiza, Italia, Alemania, Austria, Inglaterra, Uruguay, Chile, Brasil, Argentina, Marruecos, Mali, etc.
SECUENCIA es un ciclo de actividades vinculado a la programación de la Fabra i Coats: Centre d’Art Contemporani de Barcelona. SECUENCIA #1 propuso un marco de trabajo para ahondar en el particular vínculo performativo entre cuerpos e imágenes.
At the origin of my works is the gaze as a physical place of perception, capture and assembly, which places the body in a landscape of multiple narratives where its presence can be displaced, altered and questioned. Some time ago I wrote that "the gaze is what makes the empty space between bodies disappear". In this presentation of my work I am going to name and communicate a vocabulary principle belonging to numerous (non) visible practices inscribed in the dramaturges of my scenic, audiovisual and performative works. The body-operator and the double vision are configured within the devices that I have been articulating from the body, being pillar concepts of my spatialized and cinematographic choreographic writing. I seek to configure their presence within a field of battle and experimentations, around (non) fictional places of encounters and common memories. To propose points of contact and frictions between what she shows and what she hides, between what she perceives and what she thinks, between the real and the imaginary.
* Practices of the (non) visible: the operating body and the double vision was made expressly for SEQUENCE #1. During the performative conference, Olga Mesa showed some texts and shadows of images that were projected on a wall in the background, the projector covered it and uncovered it at will, she wrote in white chalk on paper some texts and placed them on one of the side walls. Just as he moved through the space, approaching and looking at the audience.
Olga Mesa. Choreographer and visual artist, she is one of the key figures of contemporary Spanish dance. Since the 1990s, her search for a personal and renewed writing of the body has led her to affirm the intimate part in the performance, through a construction that combines expression and perception. Her stage pieces are mainly developed in thematic projects: the body trilogy 'Res, non verba' (1996-1999), the cycle in five movements 'More public, more private' (2001-2006) and the project 'labOfilm' (2010-2012).
For ten years he has worked with the off-format artist Francisco Ruiz de Infante in the construction of the choreographic, plastic and audiovisual project 'Carmen // Shakespeare' (2012-2022). Together, they run the company Hors Champ // Out of Field, creating contexts and practices for interdisciplinary arts.
Based in Strasbourg since 2005, their company's stage creations have been presented in various festivals and artistic institutions in France, Spain, Portugal, the United States, Switzerland, Italy, Germany, Austria, England, Uruguay, Chile, Brazil, Argentina, Morocco, Mali, etc.
SEQUENCE is a cycle of activities linked to the programming of the Fabra i Coats: Centre d'Art Contemporani de Barcelona. SEQUENCE #1 proposed a framework to delve into the particular performative link between bodies and images.
A l'origen de les meves obres es troba la mirada com a lloc físic de percepció, captació i muntatge, que situa el cos en un paisatge de narracions múltiples on poder desplaçar, alterar i qüestionar la seva presència. Fa temps vaig escriure que «la mirada és allò que fa desaparèixer l'espai buit entre els cossos». En aquesta presentació del meu treball anomenaré i comunicaré un principi de vocabulari pertanyent a nombroses pràctiques (no) visibles inscrites a les dramatúrgies de les meves obres escèniques, audiovisuals i performatives. El cos-operador i la doble visió es configuren dins dels dispositius que he anat articulant des del cos, sent conceptes pilars de la meva escriptura coreogràfica espacialitzada i cinematogràfica. Cerco configurar la seva presència dins d'un camp de batalla i experimentacions, al voltant de llocs (no) ficcionals de trobades i memòries comunes. Proposar punts de contacte i de friccions entre allò que mostra i allò que amaga, entre allò que percep i allò que pensa, entre allò real i allò imaginari.
* Pràctiques del (no) visible: el cos operador i la doble visió es va realitzar expressament per a SEQÜÈNCIA #1. Durant la conferència performativa, Olga Mesa va mostrar alguns textos i ombres d'imatges que eren projectades sobre una paret al fons, el projector el tapava i el destapava a plaer, va escriure en guix blanc sobre paper uns textos i els va col·locar en una de les parets laterals . Així com es movia per l'espai, apropant-se i mirant el públic.
Olga Mesa. Coreògrafa i artista visual, és una de les figures clau de la dansa espanyola contemporània. Des de la dècada de 1990, la cerca d'una escriptura del cos personal i renovada l'ha portat a afirmar la part íntima en la representació, a través d'una construcció que conjuga expressió i percepció. Les seves peces escèniques es desenvolupen fonamentalment en projectes temàtics: la trilogia corporal 'Res, non verba' (1996-1999), el cicle en cinc moviments 'Més públic, més privat' (2001-2006) i el projecte 'labOfilm' (2010 -2012).
Durant deu anys ha treballat amb l'artista fora de format Francisco Ruiz de Infante en la construcció del projecte coreogràfic, plàstic i audiovisual 'Carmen // Shakespeare' (2012-2022). Junts, dirigeixen la companyia Hors Champ // Fora de Campo, creant contextos i pràctiques per a les arts interdisciplinàries.
Amb seu a Estrasburg des del 2005, les creacions escèniques de la seva companyia s'han presentat a diversos festivals i institucions artístiques de França, Espanya, Portugal, Estats Units, Suïssa, Itàlia, Alemanya, Àustria, Anglaterra, Uruguai, Xile, Brasil, Argentina, Marroc, Mali, etc.
SEQÜÈNCIA és un cicle d'activitats vinculat a la programació de Fabra i Coats: Centre d'Art Contemporani de Barcelona. SEQÜÈNCIA #1 va proposar un marc de treball per aprofundir en el particular vincle performatiu entre cossos i imatges.
Trataré de poner en común lo que implica para mí trabajar con imágenes, teniendo en cuenta: Charlotte. Grey. Rocks. (2015), cierta resistencia a la interpretación y algo de placer.
*algo de placer se realizó expresamente para SECUENCIA #1. Desde el inicio hasta el final de la conferencia se proyectó el video Charlotte. Grey. Rocks. Lorea Alfaro se colocó de frente a la audiencia, sentada en una mesa con un ordenador desde el que leía el texto. Detrás de la artista se encontraba la pared donde se proyectó el vídeo que desbordaba el muro. En dos momentos se superpusieron el videoclip “Un, dos, tres, orgasmo” de Chico y Chica y un videolyric de “I think”, subtitulada al español, de Tyler The Creator.
Lorea Alfaro. Artista. En 2014 puso en marcha LA. Una marca hueca, LA (3l3a), como manera de crear un entorno protegido para generar imagen. Su trabajo se caracteriza por dejar aparecer una belleza tranquila, desnuda y directa. Algunos de sus proyectos recientes son ‘do mess with me’, en Artium (Vitoria, 2021); ‘NLB’, en el Museo de Navarra (Pamplona, 2021); ‘No lo banalices’, en la galería CarrerasMugica (Bilbao, 2018); ‘<3 S P S <3’, en Tabakalera (San Sebastián, 2017); ‘Tú’, en la Fundación Museo Jorge Oteiza (Alzuza, 2017); o los trabajos en colaboración con el artista Jon Otamendi: 2020, en la Fundación Joan Miró (Barcelona, 2021); ‘Ven a mi cara’, en la galería CarrerasMugica (Bilbao, 2020); y ‘El mundo o nada’, en la galería Moisés Pérez de Albéniz (Madrid, 2017).
SECUENCIA es un ciclo de actividades vinculado a la programación de la Fabra i Coats: Centre d’Art Contemporani de Barcelona. SECUENCIA #1 propuso un marco de trabajo para ahondar en el particular vínculo performativo entre cuerpos e imágenes.
I will try to put together what it means to me to work with images, taking into account: Charlotte. Grey. Rocks. (2015), some resistance to interpretation and some pleasure.
*some pleasure was made expressly for SEQUENCE #1. From the beginning to the end of the conference, the video Charlotte. Grey. Rocks was projected. Lorea Alfaro faced the audience, seated at a table with a computer from which she read the text. Behind the artist was the wall where the video was projected, overflowing the wall. In two moments the videoclip "Un, dos, tres, orgasmo" by Chico y Chica and a videolyric of "I think", subtitled in Spanish, by Tyler The Creator were superimposed.
Lorea Alfaro. Artist. In 2014, she launched LA. A hollow brand, LA (3l3a), as a way to create a protected environment to generate image. Her work is characterized by letting appear a quiet, naked and direct beauty. Some of his recent projects are 'do mess with me', at Artium (Vitoria, 2021); 'NLB', at the Museum of Navarra (Pamplona, 2021); 'No lo banalices', at the CarrerasMugica gallery (Bilbao, 2018); '<3 S P S S <3', at Tabakalera (San Sebastián, 2017); 'Tú', at the Jorge Oteiza Museum Foundation (Alzuza, 2017); or the works in collaboration with artist Jon Otamendi: 2020, at the Joan Miró Foundation (Barcelona, 2021); 'Ven a mi cara', at the CarrerasMugica gallery (Bilbao, 2020); and 'El mundo o nada', at the Moisés Pérez de Albéniz gallery (Madrid, 2017).
SEQUENCE is a cycle of activities linked to the programming of the Fabra i Coats: Centre d'Art Contemporani de Barcelona. SEQUENCE #1 proposed a framework to delve into the particular performative link between bodies and images.
Miraré de posar en comú el que implica, per a mi, treballar amb imatges, tenint en compte: Charlotte. Grey. Rocks. (2015), certa resistència a la interpretació i una mica de plaer.
*una mica de plaer es va realitzar expressament per a SEQÜÈNCIA #1. Des de l'inici fins al final de la conferència es va projectar el vídeo Charlotte. Grey. Rocks. Lorea Alfaro es va col·locar de cara a l'audiència, asseguda en una taula amb un ordinador des del qual llegia el text. Darrere de l'artista hi havia la paret on es va projectar el vídeo que desbordava el mur. En dos moments es van superposar el videoclip “Un, dos, tres, orgasme” de Chico i Chica i un videolyric de “I think”, subtitulada a l'espanyol, de Tyler The Creator.
Lorea Alfaro és artista. L’any 2014 va engegar LA. Una marca hueca, LA (3l3a), com a manera de crear un entorn protegit per tal de generar imatge. El seu treball es caracteritza pel fet de deixar aparèixer una bellesa tranquil·la, nua i directa. Alguns dels seus projectes recents són 'do mess with me', a Artium (Vitòria, 2021); NLB, al Museo de Navarra (Pamplona, 2021); 'No lo banalices', a la galeria CarrerasMugica (Bilbao, 2018); '<3 S P S <3', a Tabakalera (Sant Sebastià, 2017); 'Tú', a la Fundación Museo Jorge Oteiza (Alzuza, 2017); o els treballs en col·laboració amb l'artista Jon Otamendi: '2020', en la Fundació Joan Miró (Barcelona, 2021); 'Ven a mi car'a, a la galeria CarrerasMugica (Bilbao, 2020); i 'El mundo o nada', a la galeria Moisés Pérez de Albéniz (Madrid, 2017).
SEQÜÈNCIA és un cicle d'activitats vinculat a la programació de Fabra i Coats: Centre d'Art Contemporani de Barcelona. SEQÜÈNCIA #1 va proposar un marc de treball per aprofundir en el particular vincle performatiu entre cossos i imatges.